REVIEWS AND COMMENTS:

Con la Virtù come guida e la Fortuna per compagna.
Sinais de cena # 16 | Associação Portuguesa de Criticos de Teatro |Decamber 2011

By Sebastiana Fadda

Criada em 2000, a companhia véneta Anagoor tem uma formação ecléctica, cujo leque de interesses abrange áreas de conhecimento tão específicas e especializadas como, por exemplo, a filologia clássica e a musicologia, a história da arte, das artes decorativas e das artes visuais, experimentando sinteses produtivas com as artes plasticas, cénicas e performativas, criando ambientes sugestivos, sonoridades encantatórias, imagens de exigente depuração estética, quadros vivos portadores de memórias ancestrais.
Neste sentido, a nave central da Igreja de São Vicente de Évora, espaço que acolheu Con la virtù come guida e lo fortuna per compagna, foi o lugar ideal para tornar o espectáculo, uma performance site specific de curta duração mas de grande intensidade, numa cerimónia em que as reminiscências míticas e rituais, sagradas e profanas, liturgicas e performativas, encontravam felizes ressonâncias e amplificavam as simbologias nelas inscritas. Os espectadores eram recebidos ao som martelante de um tambor  e, na escuridão, cortavam o fumo brumoso e espesso dos  óleos essenciais para poderem escolher o seu lugar. Quando o tambor parou, vozes melodiosas entoaram ao vivo um canto, e a voz off de um narrador aludia a um tempo sem tempo (antes da queda no pecado original ou da alienação no sistema produtivo...), em que "passear na terra era um prazer", citação do filme The Baby of Macon de Peter Greenaway. Tratava-se da paráfrase performativa dos momentos antecedentes e consecutivos à vestição do menino da pelicula. Os intérpretes traziam as suas próprias vestes, não de ouro, mas tão só um suéter, calças de ganga e ténis. Um estrado demarcava o limite de actuação dos performers, que, pousadas as roupas e em trajes menores, faziam o seu aquecimento, com exercicios de alongamento, descontracção e concentração, encerrando esta fase preparatória com abluções purificadoras, utilizando com parcimónia a água guardada em recipientes de vidro e um pano branco, para depois se vestirem, as camisolas com capuz sugerindo monges modernos e laicos, ou simplesmente os adolescentes de hoje, ainda e sempre à procura de identidade enquanto tentam esconder as suas inseguranças. Terão sido as virtudes louvadas no filme - humildade, castidade, prudência, piedade, força e pobreza -, por sinal, ou paradoxo, comparadas a acessórios preciosos mas desvalorizadas pela quantificação do preço, transferidas nos figurinos dos jovens, ou antes numa mulher, que entrava no espaço cénico com o corpo inteiramente coberto de maquilhagem dourada? Ou terá sido o antigo Bezerro de Oiro pagão reconvertido em sacerdotisa e guia, talvez a Virtude do título, enquanto conceito em sentido Iato, que todas as virtudes abrigaria, portadora também da Fortuna que protegeria os peregrinos que a ela se consagrassem? Como precisou o encenador, Simone Derai, o canto, a cappella, dispensou a amplificação devido à acústica perfeita do espaço; quanto ao tema central, estava "composto segundo o sistema gregoriano de escrita musical a partir dos próprios gestos da dança [que seguiria], mas misturado com temas da tradição musical veneziana do periodo bizantino ao periodo renascentista" (Derai 2011, tradução minha). O canto, ainda, acompanharia, ou estabeleceria, os ritmos e intensidades dos movimentos dos performers, juntamente com as orientações da deusa |guia, participando todos num momento de comunhão | dança ritual, feita por oficiantes a lembrar dervixes, com movimentos próximos do tai chi, em perfeita sincrónia, antes lenta, depois em progressiva aceleração, como as respirações, que se sobrepunham ao canto, em crescendo até atingir o cume, e depois em desaceleração, com os corpos oscilantes, metrónomos humanos que não perdiam o seu centro, até pararem. Terminada a função, os oficiantes regressariam para as trevas de que sairam. A mulher dourada, no meio do espaço de representaçao e de braço direito erguido, apontaría para o céu e desapareceria. As cantoras retirariam os objectos utilizados, recipientes e toalhas, e afastar-se-iam. Sobrariam as luzes e o fumo brumoso, o siléncio e a força da matéria, a densidade dos sincretismos culturais e artísticos vivenciados, o rasto de transcendência deixado pela fisicalidade, o eco dos gestos e emoções, as memórias
de épocas passadas e presentes, de terras distantes e familiares, pairando na atmosfera. Con la virtù come guida e la fortuna per compagna é uma das seis partes que compõem um proiecto mais amplo, Fortuny, que celebra, reinventa e desmistifica uma cidade que, no seu apogeu, contém os sinais do declinio: no século XVII, ao realizar a Punta della dogana a mare, Veneza representa-se a si própria como um grande navio de proa virada para as águas e encimada por “um idolo em precário equilíbrio por cima de um globo de ouro, uma deusa apoiada num só pé e estendida para o mar (...) a Fortuna. Veneza está assim votada à sua potência para invocar ventos propíicios numa época em que já está sensivel a sua decadência" (Anagoor 2011, t.m.). Amplia-se então a rede de significados: sem o sabermos, mas de algum modo pressentindo sentidos indefiníveis, a nave da igreja de São Vicente foi, também e ainda, por uma noite, um navio veneziano guiado pela deusa Fortuna, largando no ar o pó dourado do fausto, porém brilhando como as estrelas, que continuam a luzir depois de terem desaparecido. E, sem conseguir ensombrar essa beleza fugidia, para norteio e precaução dos navegantes, o impalpável nevoeiro carregaria as promessas de tempestades em provir, anunciadas por aquele dedo indicador esticado em direcção ao céu. Recomenda-se uma visita ao sitio internet da companhia - <www.anagoor.com> -, onde poderá acceder-se a documentos expressivos de um percurso original.

Fortuny
mouvement.net - 19.10.2011

di Jean-Louis Perrier

Maîtres et jeunes pousses à Venise
Retour sur la 41e biennale théâtre de Venise
Venise célèbre les « maîtres » du théâtre européen, leurs élèves et une nouvelle génération italienne surgie hors des chemins balisés.
Conduite par le Catalan Alex Rigola, la 41e biennale théâtre de Venise offrait du 10 au 16 octobre un concentré d’artistes dont le seul nom faisait frémir les traditionnalistes il y a peu et écorche encore les yeux et les oreilles des gens d’église. Les hérauts du festival d’Avignon 2005 (et suivants) sont ici reconnus comme des « maîtres » indiscutables, la crème de la crème européenne relevée d’une pointe de piment argentin. Tous considérés comme assez recommandables pour former des jeunes gens à leur art, en de courtes interventions forgées in situ et placées sous le signe des sept péchés capitaux. « Maîtres », selon l’appellation vénitienne sont les Jan Fabre, Romeo Castellucci, Rodrigo Garcia, Joseph Nadj, Ricardo Bartis, Virgilio Sieni, Jan Lauwers, Stefan Kaeggi (Lion d’argent) et Thomas Ostermeier qui devait dédier son Lion d’or aux occupants du Teatro Valle à Rome, installés depuis quatre mois dans ce qui est l’homologue de l’Odéon à Paris pour la défense d’une culture de service public. Un geste qui a trouvé son répondant sur le Lido, au théâtre Marinoni, auquel les jeunes participants à la biennale n’ont pas manqué de témoigner leur solidarité. Tandis que les indignés manifestaient à Rome, le pouvoir berlusconien, tentait, comme si de rien n’était, de faire nommer à la tête des biennales l’un des siens, dont la compétence dans le domaine artistique s’arrête à la porte des instituts de sondages. Sarkozy, comme on vient de le voir à Versailles, ne procède pas autrement. [...]
Dernier volet de cette dense biennale, sous l’intitulé « Young Italian brunch » (la nouvelle création scénique italienne), avec cinq groupes de la dernière génération : Santasangre, Ricci/Forte, Teatropersona, Anagoor et Muta Imago. Une « génération » dont les intitulés en appellent évidemment à l’onomastique, avec ses Pathosformel, Orthographe, Teatro Sotterraneo, Menoventi, Codice Ivan, Dewey Dell, Babilonia Teatri et bien d’autres (1) et dont aucune composante n’est disposée à se reconnaître pleinement dans l’autre. Ces groupes ont en commun des naissances hors mariage (avec le théâtre), une attention à tous les champs artistiques, un investissement physique total, des structures étroites fortement indépendantes, une certaine proximité avec les centres sociaux ou leur délocalisation dans les campagnes. Ils maintiennent une distance prudente avec la plupart des institutions théâtrales, il est vrai confinées dans l’académisme et le renvoi d’ascenseur.
Ils forment la première génération post-castellucienne. Ils ne lui doivent rien, sinon des traces à haute dose dans le raffinement plastique, dans le bombardement sonore, dans les jeux d’ombres et de lumières. Leur curiosité témoigne d’un fort investissement dans les arts visuels, mais aussi dans la performance, dans la philosophie, l’esthétique et la littérature. Pour en juger d’après Aurae (Teatropersona), Fortuny (Anagoor) et Displace #1 La rabbia rossa (Muta imago), trois des pièces présentées, ils ont en commun une dominante crépusculaire, une fascination pour la décadence et le baroque, un intérêt vif pour l’histoire et les jeux de mémoire, une tentation pour les rituels à inventer dans des situations d’enfermement. Une phrase d’Anagoor pourrait les réunir en un : «théâtre en tension permanente entre le bégaiement de la barbarie et la splendeur cristalline du néoclassique ». Les lumières passéistes sont contredites par de jeunes corps agiles, formés ou forgés par la danse et l’exercice physique. La part congrue de parole est assumée, souvent confiée à des voix off, chargées de porter le poème et d’interpeller le public d’en haut. Même lorsqu’ils passent par le filtre du Tintoret ou de Hammershoi, c’est de l’Italie d’aujourd’hui qu’ils nous parlent, en des gestes et des mouvements cryptés, ceux d’une résistance certaine au monde qui les entoure dont ils ne trouvent d’issue que sur le plateau.
1. A leur propos, lire Lost in translation, un nuovo teatro per gli anni Dieci ? analyse de Gianni Manzella dans le dernier numéro de la revue Art’o www.art-o.net
Entretiens avec trois artistes à la tête de jeunes compagnies italiennes [...]
Simone Derai (Anagoor) : « Nous formons un surgissement spontané. »

Y a-t-il un avenir dans le théâtre italien aujourd’hui ?

« Cela devrait. Nous y travaillons. Ces dernières cinq années nous avons ?uvré à produire le ferment d’une génération qui se distingue par sa multiplicité d’approches de la scène du point de vue de l’acteur, de l’image et du texte, et cela, assurément, fait montre d’une vitalité qui donne à espérer.

Qu’est-ce qui unit cette nouvelle génération ?

« Ce que nous avons en commun est cette vitalité, cette volonté d’investissement. L’avenir du théâtre italien passe par une multitude d’approches diverses. La plus significatif c’est de voir à quel point, chaque artiste, chaque groupe développe un parcours différent.

D’où viennent ces parcours particuliers, de quelle partie de la culture ?

« Nombre d’entre nous proviennent de la périphérie et non pas des centres culturels traditionnels, ni de la capitale, ni de Milan. Nous formons un surgissement spontané, disséminé à travers tout le territoire national.

L’opposition politique institutionnelle parle de « réussir l’Italie ». Revendiquez-vous de « réussir le théâtre » ?

« Pour un groupe comme le nôtre, Anagoor, le parcours est l’objectif. Déjà, dans le nom que nous avons choisi, qui est celui de la cité utopique de Buzzati. Notre projet se développe à partir du territoire. Nous sommes parmi les plus jeunes de la nouvelle génération et pendant les dix premières années, depuis notre base de Castelfranco Veneto dans la campagne, loin des schémas du système théâtral, nous avons rassemblé les énergies et travaillé sur le terrain, en lien direct avec le public. »

Fortuny
L’Ottavo Peccato | Biennale Teatro 2011 - 06.09.2011

by Maja Cecuk

This is my third attempt to present the Young Italian Theater scene and one question comes to my mind: where is the verbal discourse of this theater? My future expectation for the next show promises a similar situation. The selection presented in the Biennale, has no voice. It’s a very aesthetic theater, with very good and technically prepared performers, visually attractive, but could they have no discourse? Third show and still I did not even hear one word in Italian, only recorded and digitally manipulated voices. How come? Does it depend on programmers’ personal preferences? Is it a question of opportunities? Is it about trying and draw an international image towards a global market? Or the issue is to refuge from some other deeper problematic… I leave these questions for some later moment because I have already spent 2/3 of my assigned space and the Anagoor Company deserves my whole attention. The group was formed in 2000 and is a very interesting project based on multidisciplinary work. An investigation close to some performances from the 60’s and 70’s like Whitman’s, Jons’ or Desperate Optimists’. The mentioned show is dedicated to Mariano Fortuny’s sensual use of light, full of visual references to Tintoretto, Mycenae sculpture (related to Boltanski’s works) and impressive images of wounds from World War I; all this, accompanied with use of glitter on naked body creates very particular atmosphere.

Tempesta
totaltheatre.org.uk - 29.01.2011

by Charlotte Smith

"Intensity and iconography are central to Tempesta, a piece by the Venetian company Anagoor. Based around a painting by the Renaissance artist Giorgione in around 1508, it also gives a new slant on the idea of live art.
Performers Anna Bragagnolo and Pierantonio Bragagnolo both mirror and distort film footage of themselves on two screens. Sometimes they are so in-synch that the filming could be live; at other times, the setting or sequence is clearly different.
There’s a heightened tension and chivalry in the male and female figures. They have a strong, silent physical presence, such as when the naked woman reclines languorously, as in the painting. Close-ups on film, such as of the man’s armour, amplify this.
Light and sound convey weather and the elements. From the opening rumbling, the sound is punchy and vibrates around the audience. In the later scenes, a shaft of light is beautifully recreated, like sunlight in a woodland clearing.
Anagoor seem to have a genuine connection with Giorgione, who died at the age of 33, probably from plague. Their programme notes explain: ‘Trying to focus on Giorgione’s work is like trying to observe the Seven Sisters constellation – you see it better if you don’t stare at it directly. Outwardly calm and conventional, each of his pictures raises doubts in the viewer’s mind, hinting at a more complex web of meanings.’
The production may, however, be an acquired taste. Although the sound and movement help provide pace and variety, the structure isn’t entirely clear as the audience is left wondering when to clap.
The artistic richness can be cloying – beautiful young performers exploring the nature of beauty, sensuously and slowly. That said, the images do linger, such as that of a simple white tent billowing in the wind".

Tempesta
katherinegraham.posterous.com - 01.02.2011

di Katherine Graham

"Another offering of the Mime Festival was La Tempesta by Italian company Anagoor, a piece which took its name and inspiration from a sixteenth century painting by Giorgione.Embarrassingly, I hadn't actually heard of Giorgione before or seen the original painting (below). The company is based in Castelfranco the town in which the painter was born in 1477. They were drawn Giorgione not only because of this connection but also because of the mystery which shrouds the painter's life and work. Only about six paintings have been identified as his and the interpretation of these is often uncertain.
Anagoor have made a white enclosure for their dramatization of this early landscape painting. Two screens are suspended in mid air opposite a clear box, the air is full of haze evocative of a thick fog, out of which our actors appear as if from nowhere.
On the screens we see a storm, dark ominous clouds and lightning. Our performers, however, are presented to us outside of nature, isolated within their white, clinical space. There is a tension here between industry and nature, perhaps. An enormous chrome fan onstage provides the wind which accompanies the sound of a storm.
In performance they have resisted interpretation and instead present an ever shifting moment of mystery. The experience of watching is uneasy as there is little choice but to submit to the atmosphere of charged uncertainty. Though it is presented in a festival of mime, this is far from a silent work. It is the sound more than anything that provides a sense of action. Beginning with the raging storm which opens the show the sound is frequently the kind of loud that you feel it rather than hear it, making it difficult to distance yourself from the performance.
The performers move with an extraordinary sense of discipline, every movement is subtle yet exact and they appear to follow a rhythm of their own. Their gestures unfold slowly as though operating on a different time to their surroundings".

Tempesta
livetraces.com - 29.01.2011

by Harriet Piper

"Anagoor is an all-encompassing performance, celebrating theatre without words. It is as if being inside a painting- as it is created, layer upon layer- with very careful consideration of the formal relationship between each of the elements. The audience is invited to enter into a mysterious space where meaning is uncertain.
Things disappear and reappear- as they would in the making of a painting- creating a constantly changing painterly triptych. The three frames consist of a large glass box, in which two live performers slowly move; and two screens, onto which videos are projected. The images in the three frames compliment each other, adding to the close attention to detail. In a midst of smoke we watch a performer slowly remove a bright red jumper, as if it were a stroke of red paint. Close ups of this act are projected onto the two screens, the red being carefully moved across each of the canvases in subtly different ways.
Sound dramatically affects the atmosphere, further encompassing us into this world of moving images. It creates a collective fear amongst us; as soon as we begin to relax, the intensity of the sound suddenly increases, causing the whole space to vibrate, so much that we jump in fright. The music is never mere accompaniment to the images: the performers do not move to its rhythm. It exists very much as its own element in the space, and usually in juxtaposition to what we see. It is only in the moments of extreme intensity that the sound corresponds to the images: light moves as if it is beating in rhythm to the music; fans spin and sounds exaggerate their whirr; films show trees and hair blowing in the wind and loud whooshing sounds emphasise the winds effect. We also literally feel this wind, created by a large fan in the space.
This Italian theatre is refreshing, alluring and memorable. It provides a truly unique experience which cannot be properly described in words. I urge you to see it!"

L’Art Contemporain et le sens perdu de la Beauté               
agoravox.fr – 03.05.2010

by Hélène Sadaune

Souvent, je vais au musée revoir mes classiques (on ne s’en lasse pas) et voir des expos d’art contemporain, avec des amis aimant l’art contemporain ou ne l’aimant pas (ce qui rend la visite plus mouvementée). Ces derniers me demandent toujours, à moi qui aime l’art contemporain : "Pourquoi l’Art Contemporain est-il si laid ? Regarde ! C’est du foutage de gueule…..".
Comment en est-on arrivé là ? Que certaines œuvres soient vraiment laides, c’est indéniable (il faudrait vraiment être de mauvaise foi pour dire le contraire) mais il faut alors expliquer que dans l’art contemporain le Beau a été banni au profit de l’expression, de la communication, quelle qu’elle soit, pour faire ressentir une émotion à celle ou celui qui regarde : une indignation justifiée (« c’est du foutage de gueule ») et l’artiste a réussi son pari de provoquer une émotion : l’indignation.
Cela peut aussi provoquer le rire car souvent l’art contemporain est drôle : voir les œuvres de Paul Mc. Carthy (le roi du kitsch américain) par ex. celle ou un lapin et un ours batifole ensemble : c’est ridicule ! on rit donc de bon coeur ! et l’émotion est passée. Voir aussi les provocations souvent borderline de Maurizio Cattelan (le roi incontesté de la provocation), comme celle des enfants de cire pendus à un arbre à Milan : ils semblaient tellement vrais que les gens ont exigé au Maire de la ville qu’ils soient retirés car c’était insoutenable : provocation réussie, ou bien toujours du même Cattelan, comment ne pas oublier son œuvre fameuse où l’aimé Jean-Paul II est frappé par un météorite ("la nona ora") ? Et j’en passe.
 Désormais, l’heure n’est plus à la représentation du Beau, mais à celle de la communication par n’importe quel moyen : la peinture est de moins en moins utilisée au profit des médiums technologiques : art vidéo, art informatique, art numérique, bio-art, qui généralement filme le présent et le retransmet dans une installation spécifique qui le met en valeur (lumières, sons etc.). J 
Je précise que tous les artistes qui ont fait l’école des Beaux-Arts sont capables de peindre aussi bien (ou presque !) que Raffaello ou Ingres, car le dessin et la peinture sont les premières choses qu’on leur enseigne mais qu’ils ne le font pas car c’est « dépassé », non parce qu’ils n’en sont pas capables . Le sens de l’Art a changé et il n’est plus au goût du jour de représenter la nature (le fait la Photographie artistique élevée au rang d’Art) ni le beau car l’art moderne a libéré les artistes des contraintes classiques de la représentation.
Désormais l’art est conceptuel (on veut exprimer une idée voire un concept à travers une installation, une vidéo etc.) et veut explorer des idées et des formes nouvelles d’expression, sans se soucier des canons de la beauté classique.
Si cela a permis de nouvelles façons de s’exprimer et d’envisager l’art, cela a aussi ouvert la porte à pas mal d’ excès : comment oublier l’urinoir de Marcel Duchamp et encore plus loin dans cette lignée, la « Merde d’artiste » de Piero Manzoni…. Bien sur, c’est de la provoc, et il faut en rire et non s’en indigner, car l’art n’est plus le Beau.
D’ailleurs l’indignation vient du fait que les non-artistes (99% de la population donc) attendent toujours du Beau de l’Artiste alors que cette notion a été volontairement enterrée depuis longtemps par nos artistes contemporains. Triste divorce sans consentement mutuel…
L’idée du Beau : voir du beau nous fait du bien, nous fait momentanément oublier nos soucis, nous fait voyager au-delà de notre propre corps : l’expérience du beau est inoubliable et irremplaçable. Or, l’art contemporain nous nie généralement cette expérience du beau. Pour la vivre, nous devons revoir nos classiques ou aller voir les quelques francs-tireurs qui continuent à faire du Beau…oui, ils existent encore, y compris dans l’art contemporain, vous en aurez certainement vu vous aussi : par exemple « Axial Age » de l’Allemand Sigmar Polke qui vous fait voyager dans l’infini de l’espace avec ses couleurs mystiques et ses matières alchimiques, ou bien un Agoraphile me citait Rotko avec ses chaudes couleurs primaires qui vous enveloppent dans un bien-être primordial et il y en aura d’autres, qui vous auront touché au cœur par leur Beauté.
Nous tous (c’est-à-dire la grande cohue des non-artistes incapables de produire du Beau, pour leur plus grande tristesse) avons besoin du Beau mais on fatigue à le trouver car cela ne figure plus comme prioritaire dans l’art contemporain, toutefois, étant interdit d’interdire, les artistes peuvent aussi produire du Beau car cela reste leur droit même si  cela n’est pas « in »…..Actuellement reste à la mode l’ironie et la provoc en plus de tout ce qui est techno. Nous avons encore devant nous un long chemin de croix……jusqu’à ce que le Concept de Beau revienne à la mode, finalement. La vie est un cercle, cela reviendra aussi. Patience.
J’ai bon espoir car je constate ces derniers temps un léger retour du beau dans les Arts (par ex. la Performance des Anagoor de Castel Franco Veneto, mélange d’ancien et de nouveau, avec un résultat merveilleux) et en parlant avec des jeunes artistes (ramant pour se faire connaître, mais qui ont tous fait les Beaux-Arts) je constate qu’ils pensent à réintroduire le beau dans leurs œuvres, en tout cas, cela ne semble plus impensable. Pour ma part je suis convaincue que si les artistes retrouvaient le gout du Beau et s’employaient à le ré-introduire dans leurs oeuvres, le public qui s’était détourné de l’art contemporain parce que laid et hermétique, retournerait vers lui. A bon entendeur salut!

Tempesta 
Il Giornale di Vicenza -13.04.2010

by Rosarita Crisafi

Tempesta gives a coragious view of Giorgione’s celebrated masterpiece, breathing new life in the misterious painting through symbols and visual suggestions. This performance transmits a sens of fall into the abyss of uncertainty, void, mystery and anguish. Anagoor gives proof of great style and elegance.

Tempesta
sceneanordest.jimdo.com - 12.04.2010

by Silvia De March

In this performance without words, images weave the thread of a mute speech. The result is without doubt eloquent. The search for formal and chromatic equilibrium, based on clearness, rhythm and measure, is not reached for the sake of it: it concentrates and transmits a tension towards depth of things, a longing for introspection and ethical commitment. The shock of the sorm blows as the time of choices between different questions (love, duty, life, fate), as the place where the fall can be seen as a chance. Just orient yourself to future with wisdom and faith.

Tempesta
Il Manifesto - 28.03.2010

by Gianni Manzella

The Tempest, but it is not Shakespear. It is Giorgione from Castelfranco the guardian deity and genius loci of this refined and rarefied theatrical performance. Anagoor comes from the venetian interland, a wealthy distric but perhaps not so happy, that suddenly has brought a new generation of performers and visual artists to life blowing out the traditional and quite asphyxiating scene of the so called new Italian theatre. At the beginning it’s just a window open on the dark space of the scene. Two sort of altar pieces hanging from the ceiling and showing cloudy skies, foggy landscapes, fumes through which it seems possible to recognize human figures. They are athletes of the soul who are preparing for their performance. On the back a red flag floates in the air under the blowing wind of a storm which is all inside the heart.

  
Tempesta
obiwi.fr - 22.01.2010

by Hélène Sadaune

Même si la signification à attribuer au spectacle est en parfaite harmonie avec l’auréole de mystère liée aux tableaux de Giorgione, le résultat est convaincant, signe évident que la compagnie de Simone Derai et Marco Menegoni ont réalisé un travail remarquable, le fruit d’une réflexion patiente, le fruit d’un travail et d’un engagement authentique qui ne laisse rien au hasard. Du très beau spectacle ".

Tempesta
delteatro.it - 21.01.2010

by Andrea Porcheddu

 “If I should choose a symbol of this work, among the refined and rarefied iconographic world which substanciates Anagoor’s Tempesta, I would choose the hood sweater, the cloth of an entire generation of teenagers throughout the world. Nothing to do with American colleges or sports anymore: it’s that hood the principal function. It conceals, it protects: the adolescent is within, with his thinnes, his fragile shoulders. When jeans and sweater become an armor in the scene, the hood is still there to reveal all the young’s frailty. And this is the quality of Anagoor – which is one of the most celebrated groups of a new generation in Italian contemporary theatre –: being able to build a technological and visionary scene both futuristic and ancient, being able to catch the spirit of Giorgione without falling in the trap of imitation but chasing and hunting him in that mysterious and obscure land of not so predictable meanings which is recognizable in every single painting.”.

Tempesta
Gazzetta di Parma - 6.11.2009

by Valeria Ottolenghi

“There are many different interpretations of Giorgione’s The Tempest: among these, biblical or mythical references, symbolic, kabalistic or alchemic meanings, allegories: in the extremely refined show by Anagoor many suggestions from the painting become visions of supreme elegance and beauty. A performance of rare compositive elegance, of fascinating magnificence in every segment”.

Tempesta
Hystrio n.4, october-december 2009

by Nicola Viesti

 “A masterpiece of astonishing visual knowledge. An enigmatic and fascinating vision in white that tell us about a devastated land, of anguish and fears and nostalgia for an ancient world lost. However it is also a narcissistic contemplation of beauty, anachronistic but not inactual, a not so predictable questioning about the reasons of creation and art in advanced technology times. Moreover these young artists are extraordinarily able to manage erotism and sensuality.

Tempesta
sipario.it - 13.11.09

Claudio Facchinelli

 “A show in which nothing happens that you can tell about, but that leaves the audience both disquieted and fulfilled and that reveals an ethical engagement: the proposal of a relationship between humans made of care and tenderness, suggested paradoxically by the ambiguous but nonetheless happy proximity between the naked bodies of the two performers, brother and sister in real life.

Tempesta
Linus - october 2009

by Renato Palazzi

Anagoor is the authentic revelation of the year. The elegance and the sure hand which Simone Derai, the director, master his compositive syntax with it’s particularly striking. He plans an elaborated architecture of symmetries and asymmetries, of specularities and slight irregularities between the images embodied by the performers and those projected by two crystal screens. The suspended atmosphere of Giorgione’s painting, charged with secret expectation, inspires the subtle but iron-like structure of the show. The frightening and dark roar of the thunder on the background, the sense of something about to happen evokes the tense atmosphere of an impending tragedy, revealing an astonishingly and uncommon sensibility in such a young group of artists.

Tempesta
Italian Rollingstone Magazine  - october 2009

by Carlo Orsini

With a refined and deep filosophical and theatrical research they give intense performances with the incarnation of emotion (its presence or its absence) at the core.

Tempesta
Corriere della Sera  – 27.09.09

by Magda Poli

“Two vertical screens beside a glass box, a transparent room in which an actor appears all of a sudden through smokes and fog: a nowadays warrior with hood sweater, an ancient warrior with armour and elegant movements that, after getting out of his cage, will interact with the screens in a game of images made of remembrances and prophecies that leaves you a sense of longing and expectation, of menace sublimated by beauty. In this show an urgency of knowledge and wisdom can be seen, the need to exorcize any vulgarity to sink into one’s own cultural roots and to regain possessions of them”.

Tempesta
delteatro.it – 06.08.09

by Andrea Porcheddu

“Tempesta is an homage and a visionary path through Giorgione’s body of work: it  hints  at  his famous paintings dealing with the reasons of creation, evoking a sort of adolescent, barbaric, hypercontemporary and medieval Hamlet (or should we say Hamletmachine?). It mixes styles and codes with captivating knowledge, it unravels the virtual and the real body of the performers in a rarefied time, it entraps and fascinates with silences and intriguing and magnificent sounds, apocalyptic visions and tableaux vivant”.